Las 20 escenas de películas más memorables ambientadas en el camino

A medida que la tecnología continúa transformando la visualización de películas en una experiencia cada vez más solitaria, incluso solitaria, es hora de echar un vistazo atrás a una época en la que ir al cine era más social. El primer autocine se inauguró en Nueva Jersey el 6 de junio de 1933, atendiendo a un Estados Unidos que adoptó rápidamente la cultura del automóvil y del cine en igual medida, y arrojó a Hollywood a la pantalla más grande posible, al aire libre.

Tanto comunitaria como íntima, la experiencia del autocine permitió a los jóvenes amantes un oasis de privacidad, con leyendas de bebés en el autocine concebidos para imágenes parpadeantes medio vislumbradas a través de las ventanas empañadas. Difícilmente el lugar para las películas de arte con sus temas complejos y silencios sombríos, los autocines se convirtieron en un paraíso para las películas de serie B cuyos elementos de explotación y emociones chillonas atendían cada vez más a la multitud de autocines que buscaba pasar un buen rato. Naturalmente, las propias películas comenzaron a reflejar ese mundo de autocine en la pantalla, con algunas de las secuencias más memorables del cine (o incluso películas completas) ambientadas en medio de aproximaciones de pantalla grande de las multitudes que se habían juntado besuqueándose, comiendo palomitas de maíz y llenando el baúl. ver.

A continuación, repasamos las 20 escenas de películas más memorables ambientadas en el autocine.

'El ataque del pueblo títere' (1958)

Dáselo al famoso productor y director de Schlockmeister, Bert I Gordon, tanto por su descaro como por su frugalidad. Cuando el vendedor ambulante John Agar lleva a su mejor chica, June Kenney, al autocine para una cita nocturna, es para ver la obra de Gordon de 1957 The Amazing Colossal Man, sobre un soldado cuya exposición a la bomba atómica lo hace crecer mucho, mucho. Gordon, que nunca vio a un ser humano que no quisiera cambiar de tamaño de una forma u otra, también obtiene puntos por presagio e ironía, ya que en última instancia el destino de estos dos tortolitos es enfrentarse al chiflado científico loco jefe de Kenney, quien encoge al dúo para unirse a su colección de títeres en miniatura. (Está justo en el título)

'Lolita' (1962)

El deseo frustrado se convierte en una comedia mareante cuando el profesor Humbert Humbert de James Mason lleva a su supuesto interés amoroso apropiado para su edad y a su hija menor de edad secretamente deseada al autocine. Humbert de James Mason tiene a Lolita de Sue Lyon justo donde cualquier adolescente sudoroso y lujurioso la tendría, mientras acepta alegremente el apretón de pánico de la mano de Lolita cuando el monstruo aterrador de Christopher Lee aparece en la pantalla en La maldición de Frankenstein de 1957. Desafortunadamente para el desagradable profesor, solo puede vivir su fantasía con la descarada madre de mediana edad de Lolita, Shelley Winters, sentada a su otro lado. Las emociones encontradas de Mason son un ballet magistral de comedia física, ya que madre e hija se aferran a él en busca de consuelo.

'¡Ese maldito gato!' (1965)

Hay una gran mordaza en esta película de acción en vivo de Disney inocua y apropiadamente esponjosa sobre un gatito travieso que ayuda al agente del FBI Dean Jones y a la chica local amante de los gatos Hayley Mills a frustrar un secuestro. Cuando Jones sigue (lo siento) al siamés titular hasta el autocine local, sus intentos de seguir al gato lo hacen huir a la cabina de proyección del cine, donde los golpes del felino a una polilla extraviada terminan siendo proyectados en la pantalla grande, convirtiendo el Se ofrece una película de surf similar a una película de Godzilla protagonizada por felinos. Agregue algunos chistes sobre la búsqueda de Jones que le costó a un desventurado cinéfilo una pequeña fortuna de la década de 1960 en concesiones derramadas, y tiene una versión de Disney de lo que sucede en el autocine.

'Objetivos' (1968)

El debut como director de Peter Bogdanovich postula un mundo cambiante donde incluso los imponentes horrores proyectados en el autocine palidecen al lado de la capacidad moderna para la violencia sin sentido. Un joven veterano de Vietnam pulcro y obsesionado con las armas asesina tranquilamente a su esposa y a sus padres antes de subirse a lo alto de un tanque de almacenamiento de petróleo de Texas al borde de la carretera y acabar con los automovilistas con igual desapasionamiento, antes de huir a un autocine local para establecer su próximo nido de francotiradores. . Mientras tanto, ese mismo cine presenta una de las últimas películas del ícono del terror Byron Orlok (interpretado por el ícono del terror Boris Karloff), quien se cansó de la incapacidad de sus películas para inspirar más terror. Al final, es una confrontación entre el hombre del saco británico de la vieja escuela, anciano que empuña un bastón, y la nueva generación de monstruos estadounidenses de la vida real que finalmente decide el destino de una multitud de autocines acurrucada en sus automóviles atrapados, con el canoso de Orlok. característica final (en realidad, la película de terror gótica de Karloff de 1963 El terror) que se desarrolla impotentemente en el fondo.

'Masacre en el autocine' (1976)

Imagine Targets pero sin Boris Karloff, Peter Bogdanovich o cualquier persona involucrada con un ápice de talento o imaginación y tiene esta ganga en el sótano de la tarifa del autocine que desperdicia su premisa imperdible. Un maníaco está cortando a los amantes en el autocine local con una espada, el obstinado gerente se niega inexplicablemente a cerrar la escena del asesinato múltiple y la policía frustrada persigue sus colas, todo lo cual lleva a un misterio sin final que advierte al conductor real. en audiencia que una serie de asesinatos similares están ocurriendo en autocines en todo Estados Unidos. Ya sea que esta inepta porción de explotación asustó o no a los clientes potenciales con su absurdo interminable, hoy en día está prácticamente olvidado, el encanto marginal de una proyección en el autocine se reemplazó hace mucho tiempo por la perspectiva soporífera de una visualización granulada en el hogar.

'Autocine' (1976)

A diferencia de varios otros en esta lista que usan el autocine como telón de fondo para el terror, esta inocua y poco recordada película de autocine de los años 70 sobre adolescentes cachondos que se reúnen para una noche de bebida, libertinaje y peleas ocasionales de pandillas ineptas circula a la luz. Tonterías campestres y de corazón (todo está ahí en el título). Claro, hay un par de ladrones torpes que conspiran para robar el concurrido Alamo Drive-In, pero principalmente Drive-In es el tipo de comedia adolescente bulliciosa que siempre está al acecho. para un escenario fresco para que sus héroes adolescentes no hagan nada bueno. En este caso, esa es la apertura de una película de desastre ficticia (pero plausible en el período) de bajo costo, Disaster '76.

'Grasa' (1978)

"Sandy, querida, me lastimaste mucho", dice el engrasador despechado de John Travolta, Danny Zuko, durante la pausa de la palabra hablada de la canción "Alone at a Drive-In" en este clásico de los 70 de la nostalgia de la escuela secundaria de los 50. Danny no está equivocado, ya que acabamos de ver a la remilgada y adecuada Sandy de Olivia Newton-John golpear la erección de Danny en la puerta del auto después de que ella rechazó su torpe manoteo en el asiento delantero. El lamento resultante de Travolta por todos los chicos torpes que imaginaron erróneamente que un viaje al autocine local constituía un consentimiento es una balada cariñosamente sorda de desorientación masculina adolescente, todo expresado en el lenguaje de la traición confusa. Mientras Travolta se sienta en un solitario columpio (un servicio de algunos de sus autocines más familiares), el grito final de Danny, "¿Por qué? Oh, Sandy", mientras la pantalla de cine ignorada parpadea en el fondo marca otro ejemplo de un adolescente cachondo que pierde el punto.

'Los forasteros' (1983)

En la elegíaca adaptación de Francis Ford Coppola de la novela de SE Hinton, el autocine local se recrea amorosamente como el lugar donde se mezclan los adolescentes bulliciosos y divididos en clases de 1965 en Tulsa, Oklahoma. Los Greasers Matt Dillon, C. Thomas Howell y Ralph Macchio se cuelan debajo de la cerca por falta de dinero y de auto, mientras que las chicas ricas de Diane Lane y Michelle Meyrink huyen del llamativo sedán de sus novios, y ambos grupos terminan compartiendo incómodamente el puesto de autocine de polvorientos asientos al aire libre. El Dallas de Dillon y el Cherry de Lane inmediatamente están en la garganta del otro gracias a las insinuaciones del tipo duro de Dallas, mientras que el Ponyboy atento y sensible de Howell solo puede presentar una débil objeción al grosero acoso de su ídolo mayor. Mientras tanto, el entonces actual Beach Blanket Bingo se desarrolla en la pantalla grande, las travesuras inocuas y absolutamente limpias de su elenco de "adolescentes" mayores parecen emerger de otro universo.

'Cristiana' (1983)

Siempre un hervidero de celos de adolescentes que intercambian autos, el autocine se convierte en el escenario de un triángulo amoroso / escena de intento de asesinato muy improbable en la adaptación de John Carpenter de la novela de Stephen King sobre el automóvil demoníaco titular. Mientras Keith Gordon, un nerd cada vez más obsesionado/poseído, regaña a su nueva novia Alexandra Paul por quejarse de toda la atención que le está prestando a su Plymouth Fury de 1958 cuidadosamente restaurado, la lluvia torrencial oscurece la película prevista para su cita en el autocine, Gracias a Dios, es viernes. Sin embargo, el drama discográfico decepcionante es la menor de las preocupaciones de la pareja, ya que una hamburguesa de un puesto de comida pronto se aloja en la tráquea de Paul, con el frenético Gordon atrapado afuera por las puertas sospechosamente cerradas del auto sensible (y celoso). La tragedia se evita gracias a la maniobra de Heimlich de un asistente atento, pero no antes de que Christine le diga a su amante humano quién tiene el poder real en el autocine.

'La gran aventura de Pee-wee' (1985)

Después de perseguir con éxito su bicicleta robada por todo el país, Pee-wee de Paul Reubens celebra su triunfo en el autocine. Reunir a todos los que ha conocido a través de su loca búsqueda en una fiesta cinematográfica de celebración es una encapsulación perfecta del encanto extraño de Pee-wee, especialmente desde que la última etapa de su viaje llevó a Pee-Wee a través de los estudios de Hollywood, aterrizando la historia de su vida en un gran gran ficticio. adaptación cinematográfica. Con un afable James Brolin y un mono Morgan Fairchild ensayando los papeles del protagonista raro con corbata de moño de Reubens y la Dottie enamorada de Pee-wee de Elizabeth Daily en una porción de las tonterías de explotación de James Bond en la gran pantalla al aire libre, Pee-wee él mismo saluda a todos sus nuevos amigos reunidos con un montón de concesiones y una risita de complicidad.

'Autocine sin salida' (1986)

El atractivo lascivo del autocine se convierte en una trampa en esta sucia porción de explotación posterior a Mad Max Oz. Después de un colapso social y económico, los amantes adolescentes Crabs y Carmen buscan escapar en el aislado autocine local del desierto, solo para darse cuenta lentamente de que el gobierno ha convertido estos oasis de películas al aire libre en campos de internamiento para los jóvenes descontentos y cada vez más peligrosos. Suministrados con amplias dosis de sexo, drogas y cine de explotación (incluidas al menos otras dos películas australianas del director de esta película, Brian Trenchard-Smith) para mantenerlos apaciguados, los niños atrapados sucumben al exceso, las luchas internas y el racismo, al igual que los poderes que Como era de esperar, todo mientras los jóvenes héroes buscan escapar de su prisión saturada de películas. Una respuesta astuta tanto a la represión del gobierno como a la rebelión juvenil fácilmente cooptada, Dead End Drive-In demuestra cómo las películas de explotación, en sí mismas, no son un sustituto de una revolución real.

'Regreso al futuro Parte III' (1990)

En medio de las travesuras que saltan en el tiempo de esta última entrega de la serie Regreso al futuro, Marty de Michael J. Fox y Doc de Christopher Lloyd buscan un tramo de tierra apropiadamente llano y desierto para que su DeLorean que viaja en el tiempo alcance las 88 mph requeridas. Naturalmente, un autocine con temática del Viejo Oeste desierto durante el día proporciona las condiciones (y la decoración insensible de los nativos americanos de la década de 1950) para la tarea, con Marty obsequiosamente lanzándose directamente hacia la pantalla blanca silenciosa con su delantal de guerreros indios alborotados aparentemente atrevidos. él para arar a través de ellos. ¿Por qué apuntar un vehículo de lujo a toda velocidad directamente a una sólida pantalla de autocine? No haga preguntas, ya que el condensador de flujo hace su trabajo a tiempo para que Marty, sorprendido, se encuentre cara a cara con algunos jinetes nativos americanos reales de 1885 a caballo.

'Tormenta' (1996)

¿Cómo demuestras que el gran villano de tu película es más malo que el de cualquier otra persona? Tienes que atravesar la cara gigante y burlona de Jack Torrance de Jack Nicholson en The Shining. Al menos esa es la impresión que deja la rimbombante película de desastres Twister de Jan de Bont, ya que el tornado principal decide perseguir a los cazadores de tornados Bill Paxton y Helen Hunt hasta el autocine Tornado Alley donde imprudentemente eligieron tomarse la noche libre. Con Paxton y Hunt olfateando la tormenta que se avecina en alerta práctica, es solo cuestión de momentos antes de que el alboroto culminante de Nicholson a través del Hotel Overlook se reduzca a medida que los vientos ciclónicos rasgan la frágil pantalla del autocine justo cuando Torrance está a punto de hacerlo. anunciar, "¡Aquí está Johnny!"

'Las normas de la casa de la sidra' (1996)

En la adaptación ganadora del Oscar de Lasse Hallstrom de la extensa novela de John Irving, el huérfano adulto pero protegido Homer Wells (Tobey Maguire) conoce las glorias del mundo fuera de su orfanato de Maine cuando Candy Kendall lleva al niño al autocine local. Con la Segunda Guerra Mundial y las órdenes de apagón vigentes, el teatro está vacío, pero Homer y Candy aún representan la rebelión adolescente esperada, compartiendo cigarrillos liados a mano en medio de altavoces silenciosos y espacios de estacionamiento vacíos. Mientras Homero le dice a la enamorada Candy que le encantan las películas, él admite que nunca ha visto más que la única copia andrajosa de King Kong del orfanato mientras mira hacia la increíblemente enorme pantalla al aire libre y sin duda imagina al simio gigante proyectado en todo su esplendor. . Sigue un viaje posterior a un teatro interior para una cita viendo Cumbres Borrascosas de 1939, incluso si Homer tiene que confesar que no fue Kong.

'Cecil B. Demente' (2000)

En el típico homenaje de mal gusto de John Waters al cine de mal gusto, la mimada diva de Hollywood Honey Whitlock (Melanie Griffith) es secuestrada por una pandilla de cineastas de Baltimore obsesionada con el arte y de bajo nivel, liderada por el maníaco Cecil de Stephen Dorff. Después de sucumbir al síndrome de Estocolmo durante su tiempo en las garras de la mugrienta pandilla (la película está vagamente inspirada en el secuestro de la amiga de Waters, Patricia Hearst), Whitlock finalmente se une a la revolución cinematográfica, saboteando la proyección de una versión del director de Patch Adams y la filmación. de una secuela de Forrest Gump antes de terminar en uno de los últimos autocines que quedan en el área para un enfrentamiento con los policías furiosos. (Waters usó el Bengies Drive-in Theatre de Maryland, que todavía está en funcionamiento, para su gran final). Con la mayoría del equipo muerto o herido, incluido Cecil, Whitlock se sube a la pantalla y, para deleite de los fanáticos reunidos embelesados ​​por sus hazañas criminales, prende fuego a su cabello, gritando: "¡Haz buenas películas o muere!" Es un mensaje apropiadamente apocalíptico del hijo cinematográfico favorito y de peor reputación de Baltimore.

'Fiesta psicópata en la playa' (2000)

Es lógico que esta combinación delirantemente tonta de película de fiesta en la playa de los años 60 y película slasher comience en el autocine. Reunidos para ver una película de ciencia ficción en blanco y negro similar a Attack of the 50 Foot Woman (con un poco de The Manster incluido), los surfistas y chicas locales empañan las ventanas de sus autos, devoran hot dogs y , en el caso de una joven Amy Adams y Nicholas Brendon de Buffy the Vampire Slayer, coquetean con sándwiches de helado que se hacen torpemente con la lengua entre ellos. Cuando la buena chica reprimida Lauren Ambrose se dirige al puesto de comida para comprar una salchicha, su amiga es testigo de cómo un navajazo le corta la garganta a un compañero de cine, el tema de rockabilly subsiguiente de los instrumentistas luchadores Los Straitjackets cobra vida rugiendo e insinuando hábilmente las emociones cómicas híbridas por venir. .

'Eterno resplandor de una mente sin recuerdos' (2004)

En la desgarradora historia de amor y arrepentimiento de Michel Gondry (y ciencia dudosa), es lógico que uno de los recuerdos más preciados del protagonista Joel Barish sobre su tensa relación con la voluble Clementine resida en el autocine. O más bien, fuera de uno, mientras Joel de Jim Carrey y Clementine de Kate Winslet se estacionan a la vista de una pantalla que muestra la característica criatura olvidada de 1958 Monstruo en el campus, la pareja feliz proporciona sus propios reemplazos al estilo Mystery Science Theatre 3000 para los inauditos diálogo. A medida que el aparato de ciencia ficción de la película comienza a quitar la escena (y la pantalla) según los deseos ahora cambiados de Joel, él empuja desesperadamente a Clementine fuera de su automóvil estacionado después de aparentemente recuperarla del olvido.

'Al otro lado del viento' (2018)

El autocine es el destino final de la fiesta itinerante que dura toda la noche en torno al 70 cumpleaños del inconformista director de cine Jake Hannaford (John Huston), cuya última película quedó inconclusa tras la partida de su actor principal. Este también fue el destino de esta película inacabada típicamente ambiciosa y de larga gestación de la inconformista leyenda estadounidense de la pantalla Orson Welles, que, después de unos 48 años en varios estados de desmontaje y caos, se convirtió en algo parecido a una película terminada en 2018. El resultado La imagen es un desastre fascinante, con el imperioso Houston canalizando a Welles en su retrato mordedor de puros de un director intransigente que lucha contra los acreedores y los farsantes de Hollywood por igual mientras intenta en vano completar su obra maestra. La película de Hannaford, titulada The Other Side of the Wind, es un pastiche de arte y ensayo europeo de Welles, su tentador erotismo y su simbolismo obtuso recuerdan a Antonioni de la era de Zabriskie Point, la película inacabada que finalmente vio la vida solo en el camino solitario (y de alguna manera a la luz del día). en donde, la noche anterior, Hannaford había sido, una vez más, defraudado por todos a su alrededor. Cuando la película se cierra, la película dentro de la película se desarrolla para una audiencia de una, la estrella femenina de la película (interpretada por Oja Kodar, la compañera de Welles desde hace mucho tiempo), mientras escuchamos la triste bendición del difunto Hannaford sobre su condenado proyecto final. .

'Érase una vez en Hollywood' (2019)

En la retorcida carta de amor al cine de Quentin Tarantino, se muestra al indispensable pero ignorado doble de acción Cliff Booth (Brad Pitt) bajando a toda velocidad desde Hollywood Hills hasta su humilde hogar, convenientemente situado en las lúgubres y abandonadas afueras del resplandeciente Van Nuys Drive-In. . Con un montaje de éxitos de rock y soul de todos, desde Billy Stewart hasta Bob Seger y Village Callers, que proporcionan la banda sonora de la noche para el peregrinaje del taciturno Booth de regreso a su aislada casa rodante, vemos el descapotable VW del doble de acción mientras pasa a la vista de los autos se reunieron para ver una función doble de Lady in Cement y Pretty Poison, e incluso escucharon un fragmento de la perenne música de introducción al autocine "Funky Fanfare" de Keith Mansfield para agregar un toque de época.

'Historias de miedo para contar en la oscuridad' (2019)

Cuando un trío de trucos o tratos es perseguido por matones atléticos que empuñan bates en los suburbios de Pensilvania de 1968, el único refugio en el que pueden pensar es en el autocine local, que casualmente muestra el entonces clásico autocine Night. de los muertos vivientes. Refugiados en el automóvil de un servicial adolescente solitario, el trío solo puede reflexionar sobre si la carnicería de zombis en blanco y negro en la pantalla es más o menos aterradora que la idea de una pandilla de matones racistas con chaquetas de letras al acecho. Afortunadamente, la etiqueta en el autocine salva el día, ya que los matones, después de haber rodeado el auto, son ahuyentados por los bocinazos irritados de los automovilistas que los rodean, y un cinéfilo enfurecido, con la vista obstruida, grita irritado: "Oye, vuelve a tu auto". ¡o lárgate de aquí!".